¿A quién va usted a creer,a mi o a sus ojos?

Soy Leyenda

noreply@blogger.com (Caty Cordero) — Sun, 20 Jan 2008 10:59:00 +0000

Soy Leyenda es la adaptación de la famosa novela de Richard Matheson, publicada en 1954 y que ya ha sido llevada al cine en otras dos ocasiones. Esta nueva revisión del clásico descarta el concepto de los vampiros del libro, pero destaca por imponer una atmósfera de decadencia y de soledad infinita, aparte de crear un fuerte clima de tensión en las escenas de acción.

La película comienza con una entrevista durante la cual una tal doctora Alice Krippin desvela que ha descubierto la cura contra el cáncer (algo que Emma Thompson anuncia después de una pausa sutil, como si ni ella misma se lo pudiera creer, comprobando en esta escena que una buena actriz no necesita un gran papel para causar una gran impresión). Luego la historia avanza tres años en el tiempo y descubrimos a una Nueva York desolada, tomada por la maleza y por animales salvajes. Es entonces cuando aparece el protagonista, el teniente coronel Robert Neville, en apariencia el último superviviente de la especie humana después de que un virus exterminase la mayor parte de la población y transformara a la restante en aberraciones de la naturaleza.

Como hizo Tom Hanks en “Naufrago” Will Smith tiene una difícil tarea: la de cargar sólo con la narrativa, teniendo que despertar el interés del público sin depender mucho de los diálogos. Vemos como el guión (así como en el libro), se nos muestra a un Neville como una persona que tiene a la rutina como una amiga fiel para no enloquecer. Mención especial a la forma que tiene el personaje en ver programas grabados en vídeo o en conversar con maniquíes con la intención de simular una normalidad que, desde luego, está muy lejos de existir. Del mismo modo, tenemos su intensa búsqueda de una cura nos revela que aún tiene una esperanza…y es justo cuando cree haber visto a alguien vivo en medio de la ciudad cuando finalmente deja su máscara de pasividad , revelando un comportamiento que casi roza la locura cuando le vemos gritarle a uno de los maniquíes (uno de los mejores momentos de la narrativa, junto a la que implora a otro de los maniquíes que por favor le diga algo).

Y si Hanks contaba con la famosa pelota de voleibol Wilson, Will Smith cuenta con su perra Sam, el único ser vivo que le hace compañía, aparte de convertirse en el único eslabón que lo une con su pasado y protagonizando el que sin duda para mí es el momentazo del filme en el que el personaje, definitivamente, se queda totalmente solo de una forma bastante dolorosa. Confiando en la inteligencia del espectador, no se pierde tiempo martilleando con informaciones a través de diálogos interminables, optando por presentarlas sutilmente a través de una portada de revista, de recortes, de flashbacks…

Lo que no me convence mucho, es el diseño de las criaturas: si, muy bien hechas, pero prácticamente sólo son muñecos digitales terriblemente artificiales en sus maneras (no estando ni mucho menos en contra de los efectos especiales por ordenador, pero en este caso me hubiera parecido mucho más convincente unos actores de carne y hueso debidamente maquillados, que le hubieran dado muchísima más expresividad y más juego).

A pesar de esto (que algún pero tenía que tener la película), Soy Leyenda me pareció una cinta que funciona en su aspecto más importante: nuestra identificación con el protagonista, Robert Neville gracias al carisma y a la interpretación del cada vez más eficiente Will Smith.

Trailer de "Soy Leyenda"

Mystic River, de Clint Eastwood

noreply@blogger.com (Caty Cordero) — Sun, 14 Oct 2007 10:25:00 +0000

Tres chavales, Jimmy, Sean y Dave están jugando en una típica calle de un barrio trabajador de Boston cuando son interrumpidos por un policía (o lo que parece un policía). El hombre, enseñando furtivamente una placa, riñe a los amigos por estar escribiendo sus nombres en el cemento mojado de la acera, diciéndoles que se tiene que llevar a uno de ellos preso. Después de preguntarles donde vivían, el hombre decide llevarse a Dave, ya que este es el que más lejos vive y así tendrá oportunidad de decirle a sus padres los actos de vandalismo que se dedica a hacer su hijo. Jimmy y Sean no pueden hacer nada y se limitan a observar como el coche se va alejando con un Dave dentro, que no para de mirar hacia atrás, hacia sus amigos... El hombre, que era en realidad un pedófilo, durante cuatro días se dedica a abusar de Dave de todas las formas imaginables posibles mientras lo mantiene encerrado en un zulo. Dave consigue huir, pero su vida quedará marcada para siempre, así como la de sus amigos.

Este es el arranque de Mystic River,película dirigida por Clint Eastwood basada en el libro homónimo de Dennis Lehane. Eastwood es como los vinos, que conforme envejece va creciendo su calidad. Es también un ejemplo de cómo una estrella, después de una carrera de éxito como actor, elige estar detrás de las cámaras para dirigir sus propias películas, realizándolas al estilo de sus mentores Don Siegel y Sergio Leone. Con Siegel, aprendió a hacer películas de manera rápida y económica, filmando lo necesario y manteniendo un set organizado. De Leone, Eastwood absorbió el lado más artístico y su tendencia a narrar historias épicas. Reune a un grandísimo reparto: Sean Penn, Kevin Bacon, Tim Robbins, Laurence Fishburne, Laura Linney, Marcia Gay Harden..., y no solo se quedó en dirigir a este excelente elenco de actores, sino que también se encargó de producir la película y –sorpresa- de realizar toda la banda sonora.

Veinte años después, los tres amigos se vuelven a juntar bajo circunstancias bastante tristes: La hija de Jimmy (Sean Penn), Katie, es brutalmente asesinada. El policía encargado del caso es Sean (Kevin Bacon), (junto con un Laurence Fishburne interpretando a su compañero). Para complicar aun más la historia, la última persona en ver con vida a Katie fue Dave (Tim Robbins), en un bar de copas con unas amigas horas antes de su desaparición, y llegó a casa a altas horas de la madrugada, con la ropa llena de sangre y muy asustado ante la mirada perpleja de su mujer (Marcia Gay Harden). Después de tanto tiempo, nos encontramos a un Jimmy ilusionado pues la menor de sus hijas va a hacer la comunión, pero su hija mayor Katie no acaba de aparecer en la ceremonia después de una noche de fiesta con sus amigas, Sean es mostrado como un competente policía que ha sido el único en poder huir de su antiguo barrio, abandonado hace seis meses por su mujer, que lo llama todos los días y se queda callada, oyendo como Sean le cuenta sus inquietudes y lo que ha hecho a lo largo del día; Dave aparece como un buen padre y marido, ya bastante recuperado pero aun muy marcado interiormente por el infierno que tuvo que sufrir durante los cuatro días de abusos continuos en su infancia.

Es increíble como un actor como Sean Penn, que comenzó como rebelde del cine norteamericano en filmes de escaso presupuesto y de poca calidad cinematográfica, se ha ido convirtiendo con los años en un intérprete sólido, firme y que es capaz de transmitirnos toda la intensidad de Jimmy, un padre cuya hija ha sido asesinada. Tim Robbins (ganador del Oscar al Mejor Actor Secundario por esta película), como siempre, sublime, contar con el para hacer una película ya es garantía de al menos, una cierta calidad, y Kevin Bacon, eterno actor secundario, encuentra en esta película probablemente, y según mi opinión, la mejor interpretación de toda su carrera.

Hacer especial mención al final, lleno de tensión y de metáforas,preguntándose qué hubiera pasado si en lugar de subir Dave hace veinte años a aquel siniestro coche, hubieran sido Jimmy o Sean.

Gran película, altamente recomendable y que quedará en los anales del séptimo arte como un clásico.

El Maquinista, de Brad Anderson

noreply@blogger.com (Caty Cordero) — Fri, 07 Sep 2007 09:16:00 +0000

El maquinista, es ante todo, una película sorprendente. Dirigida por Brad Anderson (director de la también inquietante “Session 9”, con David Carusso), a mi parecer, promocionada insuficientemente y puede que, si no llega a ser por el bombo y platillo que se le dio a la escandalosa pérdida de peso de Christian Bale, no hubiese llegado a tener una distribución que, sin duda, se merecía.

Con un ambiente de filmación siempre en un color grisáceo, para transmitirnos ese aire de “pesadilla” en el que suele vivir nuestro protagonista, estamos ante una cinta oscura, y muy bien planteada para que el espectador se sienta en la piel de Christian Bale, tanto de sus miedos como de sus paranoias y/o locuras.

La película narra la historia de Trevor Reznik, trabajador de una fábrica de montajes, y tiene un gran secreto que a la vez se convierte en el centro de su existencia. Lleva un año sin poder conciliar el sueño (cada vez que intenta dormirse, algo ocurre que le despierta), debido a este terrible incidente que le atormenta constantemente. Vive solo en su apartamento, y solo tiene relación con Stevie, una prostituta con la que mantiene relaciones regularmente (Jennifer Jason Leigh) y con Maria, la camarera del aeropuerto al que Trevor suele ir a tomar café (Aitana Sánchez-Gijón). Todo parece transcurrir dentro de una relativa normalidad hasta que, un buen día, en uno de los descansos de Trevor en la fábrica, se encuentra al extraño personaje de Iván, que le cuenta que es un nuevo trabajador de la factoría... y a partir de este momento se empiezan a desarrollar los acontecimientos de una manera frenética. Iván se convierte en la obsesión de Trevor. Cree que todos están en una especie de complot para terminar con el. De repente, el compañero de trabajo de Reznik, Henry Miller(interpretado por el inolvidable Michael Ironside) pierde un brazo por culpa de la negligencia de Trevor. El echa la culpa a Ivan, “el nuevo”, el que, según relata a los jefes de la empresa, le estaba entreteniendo desocupando así sus funciones junto a Miller. La paranoia por el supuesto “complot” llega a tal punto que es despedido de su trabajo, y todos los que están a su alrededor, empiezan a tambalearse, como si fueran un mal sueño.

Este instante es un comienzo frenético para algo que no se puede relatar para no fastidiar el argumento de la película, el cual se va desvelando de una forma bastante natural y para nada artificiosa. Bebiendo mucho de películas como “La escalera de Jacob” o incluso “Memento”, y de algunas influencias del cine de terror psicológico, “El maquinista” es una pequeña joya que nadie tendría que dejar de pasar por alto. Christian Bale hace una interpretación magistral, no sólo por, como he comentado antes, la pérdida de peso tan acusada (la cual, verdaderamente, asusta y sirve para comprender en lo que puede llegar a convertirse un hombre desesperado y tocado por la paranoia, como el Trevor Reznik), sino por un saber estar ante una cámara y actuar consecuentemente. Bale es un valor que está subiendo enteros en cuanto a grandes actores interpretativos, y ya se le están abriendo muchas puertas de la Meca del Cine (como podemos ver en sus últimos estrenos) al que en otro día fuera el niño elegido por Spielberg entre 4000 candidatos para interpretar al protagonista de “El Imperio del Sol”.

Recomendada especialmente para los seguidores de ese cine que invita a mover las neuronas y a estar 2 horas pegado al asiento.

Memento, de Christopher Nolan

noreply@blogger.com (Caty Cordero) — Tue, 24 Jul 2007 17:24:00 +0000

Después de cosechar un gran éxito de crítica en medio mundo, el experimento que es “Memento”, conquista al público por su originalidad y osadía, características ausentes en la mayoría de las películas de los grandes estudios, por desgracia, y donde muchas veces los filmes se hacen como si estuvieran en una cadena de montaje, mecánicos, sin sentimiento... pero “Memento” es un paréntesis en toda esa vorágine de la industria cinematográfica. Es complicado de entender, difícil de comprender en un primer visionado, pero hecho con tanto talento y pasión por el séptimo arte, que es imposible no quedarse enganchado a la historia, pese a lo enrevesado de su planteamiento.

Como ya es conocido por muchos, la historia es contada de una manera invertida. Siendo así, comenzamos por la escena final y vamos retrocediendo en el tiempo, hasta que descubrimos como comenzó la película. Pero no penséis que vais a ver diálogos al revés o personas andando hacia atrás. El film está dividido en varios segmentos, y son esos segmentos los que sufren la inversión temporal. El comienzo de cada segmento es el final del próximo. Al principio, puede parecer complicado para el espectador, pero a los 20 minutos de proyección, es fácil acostumbrarse. Esta inversión no es solo un recurso estililístico de la película, el director y guionista Christopher Nolan quiso, con esta inversión, hacer que el espectador sienta lo más posible, lo que pasa por la cabeza del personaje de Leonard Shelby (Guy Pearce), que sufre una dolencia llamada “pérdida de la memoria reciente” desde el brutal asesinato de su mujer. Dicha dolencia se trata de la imposibilidad de recordar más de diez o quince minutos seguidos. Cualquier acontecimiento ocurrido antes de la muerte de su esposa (infancia, trabajo, familia, anécdotas, amigos...) es recordado perfectamente, pero desde el incidente, le es incapaz de grabar en su mente un recuerdo, de tal manera que no tiene una consciencia exacta de cuando murió su mujer, de cuanto tiempo lleva padeciendo esa dolencia... porque lo último que recuerda es el brutal asesinato. La única manera que tiene Leonard de tener conocimiento de lo que le va ocurriendo es hacer fotografías de todo lo que ve, de las personas con las que tiene contacto (detrás de estas fotos, escribe características del individuo, como su nombre o si debe confiar en él), anotarlo todo, hacerse tatuajes por todo el cuerpo con las informaciones mas importantes. Tanta preocupación no es en vano... Leonard busca al asesino de su mujer y planea matarlo cuando se encuentre cara a cara con él. Pero el asesino puede ser cualquiera, y Leonard, debido a su dolencia, corre el riesgo de ser manipulado y engañado. Acaba conociendo a Natalie (Carrie Ann-Moss) y a Teddy (Joe Pantoliano), de los que, según va avanzando (o retrocediendo, según se mire) la trama, van cambiando de buenas personas a seres pusilánimes.
Nolan utilizó la inversión temporal de una manera muy inteligente, pues solo descubrimos la “verdad” junto al protagonista. En un ejemplo más gráfico, la sensación que se tiene observando la cinta es que estamos recuperando la memoria junto a Leonard. Así, la sensación de suspense está garantizada hasta el final (o hasta el comienzo, según este planteamiento). Las vueltas del guión son tan constantes y tan bien estructuradas que frecuentemente el espectador se encuentra repensándolo todo... y el final, donde el comienzo de la historia es revelado, está abierto a tantas conjeturas y tantas posibilidades que es difícil encontrar dos personas con la misma teoría. El guión, por lo tanto, es una verdadera filigrana, y puedo asegurar que la historia funcionaría igual de bien si el orden cronológico no fuera a la inversa.
Las actuaciones, que están muy marcadas en esta trama, son excepcionales. Guy Pearce sale muy bien parado y consigue transmitir toda la angustia y tensión que el papel exige. Los personajes de Joe Pantoliano y Carrie Ann-Moss (que, de nuevo repiten película, después de la exitosa Matrix) también están muy bien aprovechados, ambos actores son muy cuidadosos con sus interpretaciones, ya que las verdaderas intenciones de sus personajes cambian varias veces. La música es muy melancólica, y acompaña muy bien el sentimiento de que todo parece nuevo y viejo a la vez, de que todo se desvanece, parafraseando a Rutger Hauer en Blade Runner, “como lágrimas en la lluvia”. También me llamó mucho la atención que algunos detalles especialmente importantes, están filmados en blanco y negro, como por ejemplo los recuerdos de Leonard anteriores al asesinato de su esposa.
Es gratificante poder ver una obra como Memento, que divierte, hace pensar y “engancha”. Cuenta una historia excelente, y sobre todo, “osa” ser un film contado de una manera nunca antes vista.

Películas que "acojonan" y esas escenas que nos marcaron

noreply@blogger.com (Caty Cordero) — Thu, 05 Jul 2007 09:01:00 +0000

Pensando pensando(y sin que sirva de precedente), se me ha ocurrido hacer memoria y pensar en esas películas que nos han dado verdadero miedo, terror, o símplemente una insana inquietud o sensación molesta en el estómago...a lo mejor no en la actualidad, pero sí en el momento de verlas. Si os fijáis, luego estas películas se van convirtiendo en cintas que tienen un "morbo" especial, y del miedo se pasa al estupor, y del estupor a la admiración.

En mi caso, con los años me he "curtido" más(teniendo en cuenta que la primera película que ví en el cine con 6 años fue Aliens y que tengo un padre que por sistema me llevaba al cine a ver todo lo que sonara a Terror o a Ciencia Ficción y le decía al portero"Ya sé que es menor, pero entra bajo mi responsabilidad!!!"), pero sobre todo en mi infancia y adolescencia, hubo películas que me pusieron los pelos de punta: es el caso de Poltergeist, de Tobe Hopper(casualmente este señor tiene en su haber el honor de haber filmado dos de las películas que más me marcaron), por poner un ejemplo...mira que la he visto veces, mira que ya me la sé medio de memoria(otro momento traumatizante:cuando el padre sale y le dice a su jefe al final "¡Cambiaron las lápidas de lugar, pero no las tumbas!!!" y empezaron a salir ataúdes por doquier)...pero no importa, ya no volveré a mirar ni a los payasos ni a los árboles igual: me acuerdo que hace un par de veranos, me dió por revisarla...os juro que me tiré toda la noche mirando al ciprés que hay enfrente de la ventana mirando por si le daba por secuestrarme(¡que verguenza, dios!).

Cuidado con los payasos que salen por debajo de la cama cuando te descuidas...¡huelen el miedo!

Otra película fue "La Matanza de Texas", de Tobe Hopper-también-. Esas carreteras semi-abandonadas con kilómetros y kilómetros sin ver un coche, esa familia viviendo ahí en medio de la nada riéndose mientras se disponen a comerte y mientras el abuelo te succiona la sangre, ese Cara de Cuero...ese ruido de motor del generador de luz(maldito, sonabas en mis pesadillas)...esa protagonista huyendo y corriendo en medio de la carretera...

Nota para excursionistas perdidos: si montáis en vuestra furgoneta a un loco con patas de conejo y huesos colgados en el cuello y que se corta la mano a modo de "hobby" con una navaja de dudosa procedencia...¡Luego no me vengais con eso de "uy, que me comen"!!!

Los muertos dominarán la tierra(lo cual asustaba bastante), decía George Romero...y así fue en "La Noche de los Muertos Vivientes". De repente, zombies por doquier, unos extraños encerrados en una cabaña protegiéndose de ellos y casi peores en su comportamiento que los seres que estaban intentando entrar...esa sensación y esa paradoja y comparación que siempre ha hecho Romero entre los Zombies y los Humanos, nunca explicando con claridad cómo aparecen...y cómo poco a poco se van haciendo con todo el planeta es una idea que en sí mismo asusta.

Si es que tenías que haberla puesto a dieta antes de bajarla al sótano...

Phenomena, de Dario Argento, con esos pasajes tan lúgubres, con esa Jennifer Conelly con poderes y con ese "affaire" con los insectos y ese asesino en serie...pues sí, tenía un no se qué inexplicable que asustaba.

Estaba por poner uno de los pósters de la Película ahí en plan neorromántico o esto. Me quedo con lo que da asquete. Hala.

Pesadilla en Elm Steet...ya si no teníamos bastante con zombies, con gente que construía encima de cementerios, de una adolescente siniestra a la que le gusta más la compañia de los insectos que la de los humanos y con tipos con una máscara hecha de piel humana...pues nos viene un señor que nos mata en sueños: ¿Que hacemos contra eso? Pues acojonarnos, y más si la vemos a tierna edad. Cuando Freddy Krueger grita "yo soy Dios!!!" con los brazos extendidos...creo que esa noche no dormí.

¿A que molo?

Y estas son, que recuerde, las películas que más miedo me han dado y que todavía, cuando veo, hacen que se me ponga un nudo en el estómago a pesar de saber lo que va a pasar. Casualmente, todas ellas se han convertido en cintas imprescindibles para mí. Si es que el masoquismo, ya se sabe...

¿Y a vosotros, qué películas os dieron verdadero miedo en su día?(y no vale decir Glitter, de Mariah Carey :D)

Magnolia, de Paul Thomas Anderson

noreply@blogger.com (Caty Cordero) — Fri, 15 Jun 2007 11:24:00 +0000

Después de sorprender a medio mundo con la excelente “Boogie Nights”, el joven director Paul Thomas Anderson , tenía un desafío por delante, hacer que las personas que habían vibrado con la anterior película, encontraran en Magnolia algo realmente estimulante, escribiendo un guión innovador y complejo que cuenta los acontecimientos en la vida de nueve personas durante un periodo de veinticuatro horas en la ciudad de Los Ángeles. En ese sentido, Magnolia empieza de una manera cuanto menos original. En su secuencia inicial, de una manera bastante ingeniosa, aborda tres narrativas de muertes que tienen coincidencias increíbles. A partir de este punto, la cinta bucea en la vida de los personajes, creando en el espectador una expectativa tangible de descubrir como todos se interrelacionan al final de la historia.

Tal vez la mayor proeza de Paul Thomas Anderson sea su capacidad en lograr que el espectador se involucre con todas las figuras que cruzan la pantalla. Intercalando diversas tramas, el director consigue mantener un ritmo constante. Así, al mismo tiempo que acompañamos a Earl Partridge en su agonía convaleciente de un cáncer terminal, descubrimos que su esposa está metida en una especie de “cruzada” de autodestrucción por haber engañado durante años a su marido. En medio, conocemos a Frank T.J. Mackey, un “gurú” de la autoayuda que enseña a los hombres inseguros a ligar. Mientras, somos informados, de que, en realidad, Frank es hijo de Earl (cosa que averigua el enfermero del segundo, Phil, a instancias del moribundo). Aparte, Jimmy Gator, el presentador de un programa depreguntas protagonizado por niños superdotados-entre ellas, el pequeño Stanley, siempre presionado por su padre-. Gator es a la vez el padre de Claudia, una joven brutalmente enganchada a la cocaína y que por casualidad conoce al sensible policía Jim Kurring. Y no podemos olvidarnos de Donnie Smith, que en su infancia fue uno de los grandes astros del programa de Gator…y esto sólo es el comienzo, amigos.

Con una galería de personajes tan interesante, sería injustísimo destacar una sola actuación, ya que el reparto de Magnolia es totalmente competente: si por un lado tenemos a Philip Seymour Hoffman, cuya mirada de bondad y comprensión es emocionante, por otro tenemos a Tom Cruise en uno de los mejores papeles de su carrera, intenso y exagerado. Por otro lado, John C. Reilly nos demuestra que merecía un lugar en Hollywood al mantener una química perfecta con la talentosa Melora Walters…y al mismo tiempo que el joven Jeremy Blackman demuestra un talento en ciernes, el veterano Jason Robars rubrica uno de los papeles más intensos de su extensa carrera. Tenemos también al siempre competente William H. Macy, que representa a un indivíduo patético y confuso con sus propios sentimientos. La única decepción, según mi opinión, es la de Julianne Moore(y mira que esta actriz me suele gustar casi siempre), que comienza la cinta histérica y se va desinflando poco a poco.

Con 188 minutos de metraje, Magnolia no cansa, ya que siempre hay algo a lo que mirar en la pantalla. Siempre intrigante, la película posee dos escenas dignas de alabanza: la primera ocurre cuando Jason Robards se acuerda de su primera esposa y lamenta los errores cometidos en el pasado, haciendo un conmovedor discurso a la vez que todos los personajes atraviesan sus propios momentos de dificultad. La segunda es aún más emocionante si cabe, ya que representa el clímax del sufrimiento vivido por todos, que acaban uniéndose para cantar una sola canción.

Repleto de mensajes, el bello guión de Anderson, enfatiza cuestiones como el amor y las decepciones de éste, las complicadas relaciones entre padres e hijos…y son, por nombrar, apenas dos temas de este soberbio filme.

Concluyendo, para mí, Magnolia se convierte en uno de los mejores trabajos de 1999(y mira que este año fue prolífico), así como tengo la convicción que esta película se convertirá, con los años, en uno de los grandes clásicos del cine.

Apocalypto, de Mel Gibson

noreply@blogger.com (Caty Cordero) — Mon, 12 Feb 2007 22:46:00 +0000

Entrada realizada por Edu Lafuente, de http://www.nonina.tk

¿Quien iba a pensar que el protagonista de “Arma Letal” poseía unas dotes tan notables para la dirección?... pero lo cierto es que ya resulta innegable que Mel Gibson, que asi se llama la criatura, posee tales dotes que incluso superan con creces a sus facultades interpretativas. Gibson, estrella polémica donde las haya tras pelearse borracho contra unos policías, alardear de ideologías extremistas e impopulares y ganarse cierta fama de machista empedernido, ya había realizado otros trabajos que hablaban bien de sus capacidades a los mandos de una película, aunque fue con “Braveheart” y con “La Pasión de Cristo” con las que consiguió ser ya definitivamente tomado en serio por la industria del cine como un director competente y de calidad.

“La Pasión de Cristo”, película que contaba las ultimas horas de Jesús de Nazaret y rodada en Arameo (el idioma que se hablaba en la sociedad de Jesús) para darle un máximo realismo al conjunto de la obra, se convirtió en un éxito sin precedentes tanto de critica como de taquilla, aunque también trajo consigo las iras de ciertos sectores religiosos (principalmente de los Judíos). Sin embargo, y más allá de polémicas, lo cierto es que se trataba de una película que, en lo estrictamente cinematográfico, hacia gala de una calidad mas que evidente, mientras que también nos mostraba ese particular estilo de Gibson consistente en plasmar las cosas en la pantalla con la crudeza que sea necesaria para ser lo mas fiel a la realidad posible, sin apenas retirar la cámara ni en los momentos mas hirientes. En lo personal, considero que “La Pasión...” es una película muy buena que me hizo salir del cine completamente asqueado, no por la violencia y crudeza de las imágenes, sino por el hecho de quien era la victima y el objetivo de dichas crueldades en la película. Por ello, defino muchas veces a “La Pasión de Cristo” como “La película “gore” mas taquillera de la historia”; definición que, aunque hecha en clave de humor (evidentemente), se acerca mucho a mis impresiones reales de la obra. Con las mismas premisas de crudeza y violencia alternadas con calidad y buen hacer nos llega “Apocalypto”, la nueva película de Mel Gibson en las tareas de dirección y en la que vuelve a utilizar esos ingredientes que ya forman parte de su sello personal como autor, ingredientes que gustarán a muchos y que ofenderán y harán huir a otros muchos, pero que son indivisibles e inseparables cuando hablamos del personal estilo de Gibson tras las cámaras.

“Apocalypto” nos sitúa en plena civilización Maya, una civilización que aun plantea muchísimas incógnitas para los historiadores a la hora de dar explicación a como era posible que tuvieran en su poder ciertos conocimientos astronómicos, matemáticos o incluso arquitectónicos que se antojan bastante avanzados para una época tan primitiva. En aspectos mas místicos o espirituales también sorprenden los cultos y religiones que profesaba aquella cultura, los cuales también plantean importantes desafíos a los expertos a la hora de intentar darles un origen lógico y coherente a unas practicas religiosas tan extrañas como crueles, las cuales llegaban a contemplar incluso los sacrificios humanos de forma masiva. Por otro lado, también resulta sorprendente que una civilización tan aparentemente prospera para su época desapareciera y se extinguiera de una forma tan repentina y fugaz. Pues bien, es en este entorno Maya donde se desarrolla la película.

“Apocalypto” nos cuenta la historia de un pequeño clan indígena que vive en la profundidad de una densa jungla llevando una vida de paz y felicidad. Sin embargo, un buen día dicha paz se ve destruida por la repentina agresión de un grupo de hombres procedentes de algún lugar desconocido para dicho clan. Ese grupo de hombres, expertos guerreros y saqueadores, destruyen totalmente el pequeño poblado matando a la mayoría de sus habitantes y apresando a algunos elegidos para hacerlos prisioneros. Tras la masacre, los prisioneros son atados y obligados a caminar sin conocer hacia donde se dirigen ni que destino les aguarda, llegando a las puertas de una ciudad enorme tras largas horas de caminata. La ciudad, impresionante para alguien que jamás había salido de los limites de su diminuto clan de cabañas de paja, sobrecoge a unos prisioneros que aun no conocen que va a ser de ellos. Posteriormente muchos son subastados como esclavos (sobre todo las mujeres) y el resto acaba descubriendo horrorizado que van a ser utilizados como sacrificios humanos de un desconocido y maligno Dios. Tras una sorprendente sucesión de acontecimientos que no desvelaré para no arruinar las muchas sorpresas que aguarda la película, uno de los prisioneros logra escapar e inicia asi un épico y peligroso retorno al bosque que constituye su hogar mientras es perseguido por algunos de sus captores empeñados en darle caza, intentando asi encontrarse con su mujer embarazada y a su hijo pequeño a los que logró esconder y poner a salvo antes del inicio de la masacre de su clan.

“Apocalypto” es, ante todo, una película directa con escenas extremadamente crueles y salvajes que, sin duda, puede herir sensibilidades a diestro y siniestro. No obstante, dicha crudeza visual en ningún momento se torna gratuita o excesiva partiendo de la base de que refleja a la perfección la degeneración moral y la decadencia de valores de una cultura a la que habría sido totalmente ridículo e infiel reflejar de una forma mas “Light”. Dicha degeneración moral de la cultura Maya (que tal vez tuviera gran parte de culpa a la hora de hacer que este pueblo desapareciera de la línea temporal una forma tan relativamente fulminante) queda extraordinariamente bien plasmada por Gibson en las escenas de la gran ciudad, en la que somos testigos de la total falta de principios éticos y de valores en una población que trata a sus semejantes como objetos y que incluso llega a disfrutar de sus padecimientos y debilidades (lo que contrasta sobremanera con los adelantos matemáticos o astronómicos inauditos para la época que obraban en su poder). Dichas escenas de la ciudad son, probablemente, las mas hirientes y sangrantes del film, no ya solo por la violencia expresa que azota fuertemente al espectador en su propia cara, sino también por esa parte triste y penosa que conlleva el hecho de que un pueblo tan prospero en ciertos aspectos hiciera gala de semejante decadencia humana y moral en otros, sobre todo en los últimos momentos de su existencia como civilización y cuando ya dicha degeneración alcanzaba sus cotas mas elevadas. Simplemente extraordinario el trabajo de dirección y de documentación en toda la película, especialmente, como digo, en estas escenas. Dudo que exista alguna otra película que haya logrado reflejar la realidad del pueblo Maya en una pantalla con mejores resultados, por lo que la ambientación del film es digna de aplauso.

Si “La Pasión de Cristo” fue rodada en Arameo (y subtitulada posteriormente a los diferentes idiomas de cada país), “Apocalypto” sigue la misma estela y todos sus diálogos suenan en Maya Yucateco, la actual forma mas cercana posible al idioma real que utilizaba el pueblo Maya en su época. Gibson ha declarado que, haciendo que los actores interpreten sus papeles con el lenguaje real de los personajes, el espectador hace que su inmersión en la película se multiplique, algo totalmente cierto ya que oyendo a los personajes hablar en sus idiomas reales se consigue que el espectador se introduzca con sus cinco sentidos en la película, haciendo que toda ella sea aun mas fidedigna, real, seria y cautivadora. En mi opinión se trata de otro acierto del director que ojala repita en sus futuras producciones, siempre que esas historias se realicen en otras épocas o mediante otros personajes que hablen idiomas diferentes a los que actualmente se utilizan en el mundo.

Otro aspecto a destacar de la película es la habilidad con la que se plasma el “destino” del personaje principal mediante puntuales sucesos “accidentales” que van permitiendo su supervivencia a lo largo del film, como si dicha supervivencia estuviera de algún modo “planeada”. Introducidos en el global de la obra de una forma muy discreta y prudente logran ser creíbles y dotan a la producción de un tímido halo de misticismo que, lejos de chirriar, consigue un resultado optimo dentro del conjunto de la historia.

Por lo demás, “Apocalypto” es, en líneas generales, una excelente película muy bien hecha, muy bien ambientada y realmente bien filmada, con un exquisito trabajo en la dirección de un Mel Gibson que, ya definitivamente, se consagra como un autor a tener en cuenta, por mucho que su estilo se caracterice por esa vehemencia visceral que tiende a ser rechazada por muchos. Si bien es cierto que se trata de una producción francamente difícil e incomoda de ver en ciertos momentos debido a su desgarradora crudeza, hay que pensar que no es una crudeza gratuita, sino que es fiel a la realidad y fruto de una corrupción moral perfectamente bien plasmada que, por desgracia, invadió al pueblo Maya en algún momento de su historia y que les hizo perder el norte de sus valores; corrupción moral de la que, en realidad, ninguna sociedad esta completamente a salvo, ni siquiera la nuestra actual.

Christian Bale

noreply@blogger.com (Caty Cordero) — Wed, 31 Jan 2007 18:39:00 +0000

Considerado uno de los actores con más talento de su generación(y uno de mis favoritos, todo sea dicho), con fama de no escoger lo primero que le ofrecen, Christian nació en Pembrokeshire (Gales, Reino Unido) el 30 de Enero de 1974, siendo el mas pequeño de cuatro hermanos. Mide 1´86 cm y son muchísimas las cualidades que hacen de él un actor casi completo, entre ellas su famosa habilidad para aprender e imitar acentos(por desgracia, solo apreciable en la versión original). Jamás ha usado el mismo acento en dos películas. Su carrera comenzó bastante pronto, cuando se subió a las tablas de los teatros de Londres con 9 años, de la mano del comediante británico Rowan Atkinson (mundialmente conocido como Mr. Bean). Tras varios filmes para la televisión británica, le llegó su gran oportunidad: Christian es elegido entre unos 4000 niños para encarnar a Jim Graham en la archiconocida película sobre la Segunda Guerra Mundial dirigida por Steven Spielberg “El Imperio del Sol”, protagonizada por John Malkovich. Bale realizó una interpretación devastadora y conmovedora, consiguiendo desde entonces fama y reconocimiento mundial. De un día para otro aquel niño de 13 años se convirtió en la gran promesa del cine mundial … de todos modos, la fama es algo que nunca le atrajo, por lo que se apartó un poco de dicha vorágine.

En los años siguientes, participó en varias adaptaciones como “Enrique V” o “El Sueño de una Noche de Verano”, de Shakespeare; fue un joven aleman en “Rebeldes del Swing”, un cínico periodista en “Velvet Goldmine” y hasta hizo alguna de las voces de la película de animación “Pocahontas”. En el año 2000 volvió a la primera línea al ser considerado una de las mejores interpretaciones del año, gracias a su papel de psicópata yuppie en la adaptación de la novela de Bret Easton Ellis “American Psycho”. Ese mismo año, volvió a interpretar el papel de villano en “Shaft”, protagonizado por Samuel L. Jackson. Ya en el nuevo milenio, es uno de los protagonistas del triángulo amoroso en “La mandolina del Capitan Corelli”, se enfrenta a dragones en “El imperio del fuego” y lidera la resistencia y la revolución contra un sistema totalitario y futurista en la cinta de culto “Equilibrium”(de la que tenéis una crítica en este blog). Cabe mencionar que Bale ha sido responsable de una de las mayores transformaciones físicas de la historia del séptimo arte, al perder casi un tercio de su peso corporal-más de 30 kilos- para encarnar al protagonista del thriller psicológico “El Maquinista”. En el 2005 lo podemos ver transformado en el nuevo Batman -en el que tuvo que recuperar todo el peso perdido en “El Maquinista” en un tiempo récord-, así como en la cinta del poco prolífico Terrence Malick “El nuevo mundo”.

Su última película es “The prestige, el truco final”, de nuevo con el director Christopher Nolan acompañando en el reparto a Michael Caine, Scarlett Johanson y Hugh Jackman.

Eragon

noreply@blogger.com (Caty Cordero) — Wed, 24 Jan 2007 09:33:00 +0000

Cuanto menos, es curiosa la lucha de algunos estudios cinematográficos por un nuevo éxito en taquilla y por lo que yo llamo en el cine "etapas", para que me entendáis: se estrena una película que bate todos los récords, se convierte en un clásico de la historia del séptimo arte y marca a una generación. Acto seguido, salen 800 filmes en la misma línea y con las mismas premisas argumentales y/o técnicas. Pasó con Star Wars.Pasó con Matrix. Pasó con La Noche de Los Muertos Vivientes.Pasó con Seven.Pasó con Terminator.Pasó con Alien... y por supuesto, pasó con El Señor de los Anillos. En cierto modo, se trata de la ya vieja historia de la oferta y la demanda. A veces salen cosas dignas, otras puros bodrios y otras productos que te dejan totalmente indiferente. En este caso, y según mi opinión, nos encontramos en un producto que, aunque para nada es un subproducto, es la típica película "bluff": adornada en la promoción hasta la saciedad y que en el visionado se queda símplemente en una cinta entretenida para pasar un rato ameno.

Adaptada desde la obra homónima de Christopher Paolini, escrita en la adolescencia, la película aborda la historia de los Jinetes de Dragón, formados para hacer el bien y para proteger al pueblo. Los hombres prosperaban y las ciudades crecían...hasta que un día nació un niño llamado Galbatorix. Los Jinetes lo aceptaron como uno más y superó a todos en habilidad y destreza. Dotado de una mente superior y de un cuerpo fuerte, destacó entre todos los Jinetes. Un día, en la oscuridad de la noche, robó un huevo de dragón y convenció a Morzan, otro Jinete, a que se unieran en el estudio de la magia negra y prohibida. Más adelante, en una batalla sangrienta, Galbatorix consiguió dominar a todos y se proclamó rey de toda Alagaesia...y aquí comienza nuestra historia. Eragon, un simple campesino adolescente, encuentra una piedra azul en el bosque y, pensando que es un guiño de buena suerte, se la lleva a su granja. De repente, un dragón nace de la "piedra" y lo marca como su Jinete: desde ese momento, Eragon hace que el mito de los Jinetes de Dragón reviva y se convierte en una esperanza contra la tiranía de Galbatorix.

Marcada por una inestabilidad constante en su guión, parece que siempre falta algo y que los hechos presentados han sido construidos a la ligera sobre el papel y sobre la pantalla. No creo que Eragon tenga ese mal que muchas adaptaciones sufren en su paso al celuloide, donde muchas veces se transforma a un libro de tropecientas páginas en un guioncito que apenas cubre dos horas de proyección...pienso que el error ya viene del libro, que adolece de una falta de originalidad demasiado alarmante: es una historia que, aunque manida, promete y que llevada por otros derroteros no habría llevado al espectador a ver algo tan típico, a veces demasiado típico. Pudiendo llegar a mucho más, el filme se queda en esa estela de películas que siguen a otras -como menciono más arriba-.

De todos modos, también tiene sus puntos positivos o al menos salvables. El joven Edward Speleers tiene una buena presencia escénica ante las cámaras y parece desenvolverse bien ante éstas. Jeremy Irons, Sienna Guillory y Robert Carlyle no lo hacen mal y dan clase a esta producción. También Saphira (el dragón femenino de Eragon) está magníficamente construida e interpretada por los dobladores (en la versión original, le presta la voz Rachel Weisz). Los efectos especiales son interesantes y con una banda sonora competente.

Espero que la segunda entrega de la saga consiga remendar los errores de la primera y que demuestre que es más que otra de esas franquicias de usar y tirar, a pesar de dar indicios de una historia totalmente plana (me temo).

Así nació un mito

noreply@blogger.com (Caty Cordero) — Fri, 12 Jan 2007 17:50:00 +0000

Aquella sonrisa tardó apenas unos minutos en borrarse del rostro del apolíneo púgil negro que danzaba con ademanes burlescos alrededor de un perdedor nato, un boxeador de origen judío con un historial birrioso al que le esperaba una suculenta bolsa que le serviría para tapar sus numerosas deudas tras la previsible estancia en el hospital. Ese don nadie en el ocaso de su intrascendente carrera, contratado para recibir una paliza muy bien remunerada, lo encajaba todo y más. En el segundo asalto, su ceja derecha inició un festival hemorrágico que acabaría tiñendo de púrpura el ring. Sin apenas visión, sacudía sus puños en el aire y se agarraba a un adversario que sustituyó la mofa por la preocupación y, más tarde, por el respeto. El campeón echó mano de su poderoso arsenal y martilleó sin misericordia alguna a su rival, modelando su rostro con andanadas bestiales hasta dejarlo irreconocible. Pero no lograba hacerle caer. El público, conmovido por el coraje de aquel hombre destinado a convertirse en un guiñapo, se alió con él por una cuestión de piedad y admiración.

El escenario festivo se tornó incómodo para el gran favorito, que se zambulló inopinadamente en el drama cuando, nadie sabe cómo, aquel sparring rebelde sacó un puñetazo que le dejó 'groggy' en la lona, escuchando la cuenta de protección por primera vez en su vida. Se levantó a duras penas, hecho una furia, y se abalanzó ya sin ningún tipo de precaución sobre aquel boxeador desconocido que, fuera cual fuera el desenlace de la pelea, iba a dejar de serlo para siempre. El episodio llegó a su fin con dos atletas desfigurados y extenuados que lanzaban manotadas sin destino, aferrándose el uno al otro para mantener el equilibrio. El veredicto de los jueces era ya secundario. Todos sabían quién había vencido.

Ése es el final de 'Rocky', la mejor película de 1976 a juicio de la Academia de Hollywood –y de millones de espectadores que la convirtieron en un símbolo–, pero también un episodio que sucedió realmente. El auténtico Rocky Balboa se llama Chuck Wepner, tiene 63 años, y no es de ascendencia italiana como el personaje de ficción, sino de origen judío. Apodado 'The Bayonne Bleeder' –la bayoneta sangrante– por su ciudad natal –Bayonne– y la extraordinaria fragilidad de sus cejas, que apenas aguantaban un par de golpes antes de quebrarse y teñir de rojo el ring, Wepner fue boxeador entre 1964 y 1978, acumulando un palmarés de 35 victorias (17 por KO), 14 derrotas y dos nulos. Con un expediente huérfano de títulos y de victorias importantes, completaba su sueldo ejerciendo de 'sparring' de Joe Frazier y realizando, como el Rocky de la película, todo tipo de labores a tiempo parcial con personajes de dudosa reputación. Una derrota épica le concedió, ya con su trayectoria boxística en fase terminal, un lugar en la posteridad en 1975.

Por aquel entonces, un joven promotor llamado Don King se devanaba los sesos buscando un rival barato y de poca monta para el lucimiento de George Foreman, gran dominador de los pesos completos en el momento culminante de su carrera. Eligió a Wepner, que tenía ya 34 años, y le ofreció una bolsa de cien mil dólares que, lógicamente, aceptó. Ninguno de ellos contaba con que en el camino se cruzaba Muhammad Ali, quien contra todo pronóstico arrebató a Foreman el cetro mundial en un legendario combate disputado en Zaire.

Ali respetó el contrato con Wepner y se enfrentó a él el 24 de marzo de 1975 con los títulos de la WBC y de la WBA en juego. Ali se dedicó a bailar en el primer asalto, exhibiendo lo más granado de su arrogante repertorio de gestos ante un atribulado rival. Poco después decidió que ya era hora de poner el punto final al show y desplegó una tremenda gama de golpes sobre 'The Bayonne Bleeder', que ya había justificado su apodo con un festival de hemoglobina emanando de sus destrozadas cejas. Pero se mantenía en pie. En el noveno asalto, en plena catarata de golpes, Wepner sacó el brazo de manera repentina y conectó un mazazo en el rostro de Ali, derribándolo. El que fuera bautizado como 'El Más Grande' escuchó, por primera y única vez en su carrera, la cuenta atrás del árbitro Tony Pérez. Todo el mundo posó su mirada sobre aquel tipo medio ciego por las heridas en su rostro, ese 'paquete' destinado a encajar una derrota rápida, preguntándose en aquellos instantes de éxtasis colectivo si sería capaz de ganar la pelea al mejor boxeador de la historia.

Ali se recuperó y decidió ir a por todas con una rabia alimentada por la reacción del público, que jaleaba a aquel tipo magullado cuya actitud había enamorado al auditorio. La avalancha fue brutal. Los golpes llegaban por todas partes. Wepner salió por su propio pie del ring en el décimo, el undécimo, el duodécimo... Y así hasta el decimoquinto y último asalto. El campeón no aflojó el ritmo. Diecinueve segundos antes de que la campana sonara marcando el final del combate, Wepner dobló la rodilla. En ese instante, el árbitro detuvo la pelea y cantó el triunfo de Muhammad Ali por KO técnico.

Stallone vio aquella velada. Quedó tan conmovido que en apenas unas semanas tenía listo el guión de una película basado en ella. Al año siguiente nació 'Rocky'.

Excelente artículo de Francisco Merino, del Diario de Cádiz

Matar a un ruiseñor, extracto.

noreply@blogger.com (Caty Cordero) — Mon, 25 Dec 2006 02:14:00 +0000

Matar a un ruiseñor

noreply@blogger.com (Caty Cordero) — Mon, 25 Dec 2006 01:59:00 +0000

Nos encontramos ante una película sublime, arrebatadora, a ratos sensíble y a ratos memorable, merecedora de ser considerada una de las mejores producciones de todos los tiempos, te conquista con una simplicidad que reina desde el principio hasta el fin. Adaptación de la novela homónima de Harper Lee, nos cuenta un drama sobre lo mejor y lo peor del ser humano y de las crueldades muchas veces somos capaces de cometer.

Con un comienzo muy diferente, intrigante y original para la época, paso a contar algo del argumento: todo comienza en la pequeña ciudad sureña de Maycomb, en plena época de la depresión. Atticus Finch(Gregory Peck en el que fue el papel de su vida), es un abogado humilde que vive con sus dos hijos y con su empleada de hogar sin muchos lujos, pero con mucha dignidad. Los hijos de Atticus son obedientes, responsables y educados: desde pequeños, aprendieron con su padre los principios de la justicia, del respeto hacia los demás y de la igualdad…la relación padre e hijos es por lo tanto sólida y fuerte, también porque Finch hace de madre y de padre a la vez.

Pero todo esto se rompe cuando nuestro protagonista acepta defender al negro Tom Robinson(Brock Peters), acusado de violar a una joven blanca. Atticus se convierte entonces en el objeto del odio y del racismo de algunos habitantes de la ciudad, enfadados porque Finch defienda a una persona de color. Por otro lado, al mismo tiempo que intenta ganar el caso, intenta proteger a sus hijos de esos sentimientos de odio del que él es víctima. El día del juicio, Atticus prueba la inocencia del reo, evidenciando ante todos la hipocresía y el cinismo de tal acusación, símplemente por el color de la piel de la persona. Aun así el veredicto es de culpabilidad para Tom Robinson.

Hay al menos cuatro grandes momentos a destacar en todo el metraje: 1) Cuando la hija de Atticus, Scout (Mary Badham), en una escena en el que su padre es acorralado por varios habitantes del pueblo, los aleja simplemente teniendo una inocente conversación con uno de ellos -al preguntarle por su hijo, compañero en la escuela de Scout- y donde podemos observar la inocencia de una niña sin maldad enfrentada a una persona llena de odio y de prejuicios. 2) Cuando Finch les cuenta a sus hijos la historia que da título a la película y que sólo comprenden al final de ésta. 3) La advertencia del Sheriff de Maycomb a Atticus de que “van a por él” y 4) La escena de la salida del tribunal de Atticus, después de defender a Tom Robinson, cuando todos los negros presentes en la sala se ponen de pie y lo saludan con orgullo.

Recordemos también que el veterano actor Robert Duvall hace en esta película su primera aparición en la pantalla grande, en el papel de Boo Radley, un joven con algo de retraso mental y con un pasado misterioso que es motivo de admiración, miedo y fascinación por parte de los hijos de Finch, que coleccionan los pequeños objetos de madera y jabón que Boo les talla y que deposita en el agujero de un árbol frente a la casa.

En cuanto al gran protagonista de la cinta, Gregory Peck, hay que decir a su favor que se entrega totalmente al personaje, con un corazón y una sinceridad fuera de toda duda, haciendo -como menciono en una frase anterior- el papel de su carrera. Es muy difícil imaginarse a otro actor haciendo el papel de Atticus Finch, al que deberíamos considerar un verdadero héroe, una persona íntegra, justa y tolerante, un abogado de provincias con unos ideales por encima de todo tipo de mezquindad. Como no podía ser menos, consiguió por dicho papel el Oscar al mejor actor. Mencionar que la película también ganó la estatuilla a la mejor dirección artística, todo un mérito en la historia, ya que realmente los espectadores se sienten inmersos en la época retratada en todos sus detalles. El estupendo guión adaptado de Horton Foote también se llevó la estatuilla.
“Matar a un ruiseñor” fue una de las primeras películas en tratar el tema de la discriminación y la intolerancia racial, sin presunciones y sin “ñoñerías”, una cinta en el que un hombre blanco educa a sus hijos enseñándoles a respetar a las personas, sean quienes sean, mientras se enfrenta a los obstáculos de una sociedad mezquina y reticente a aceptar las diferencias. En definitiva, una buena historia, un buen director, un excelentísimo actor y una fotografía en blanco y negro cuidadísima … estaba cantado que tenía que salir una obra maestra.

Saw 3

noreply@blogger.com (Caty Cordero) — Fri, 08 Dec 2006 20:12:00 +0000

Darren Lynn Bousman, director de Saw 3, declaró en su día que esta nueva entrega del thriller que trajo de cabeza a medio mundo allá por 2004 agradaría tanto a los fans del terror psicológico de “Puzzle”(algo que predominó en la excelente primera entrega) como a los fans de la matanza desenfrenada que marcó la pauta de Saw 2. La pregunta es: ¿Podríamos decir que Lynn Bousman estaba en lo cierto? La respuesta es que…casi.

La primera entrega de Saw hizo realmente méritos a la hora de presentar una trama solidísima, apoyada casi en un cien por cien en la construcción de sus personajes. Saw 2 se alejó algo de este concepto para presentarnos personajes poco tridimensionales, al mismo tiempo que potenciaba aquello que, en su antecesora, apenas aparecía: las muertes y las mutilaciones. Resumiendo: lo que ántes era mas bien macabro, en esta entrega se convirtió en algo gratuito. El resultado no fue del todo malo, pero estaba claro que no llegaba ni a la suela de los zapatos de la primera.

En Saw 3 podemos encontrar elementos de las dos anteriores. El número de personajes importantes en escena disminuyó notablemente y el guión-una vez más firmado por Leigh Whannel, uno de los protagonistas por cierto del primer filme-dio cabida a ambos conceptos. La trama sigue igual de rocambolesca y llena de secretos, sin olvidar las inevitables referencias a tramas anteriores; es por eso que aviso que si no vísteis las dos primeras, prácticamente no os vais a enterar de nada. Intentad ver las otras antes para no perderos en medio de tantas referencias.

Pero claro, si el guión le devolvió a los personajes la profundidad psicológica, los errores cometidos en Saw 2 también campan a sus anchas por aquí. El resultado final es que Saw 3 es superior a la segunda cinta, aun todavía distante de aquella primera aparición de “Puzzle”, el asesino que, si lo vemos con detenimiento, no llega a serlo. La historia, como se menciona en los párrafos anteriores, tiene muchas conexíones con las (des)venturas anteriores del señor “Puzzle”. Sería imposible desmenuzar todas las subtramas sin destapar cualquier sorpresa, así que si quieres descubrir las cosas por ti mismo, te aconsejo que no sigas leyendo. Vuelve a estas páginas cuando salgas del cine.

Si continúas aquí, sigamos pues. Antes de nada, una breve introducción para quien no esté muy familiarizado con el universo de la película: “Puzzle” (interpretado por Tobin Bell) es una especie de asesino en serie que tiene el peculiar hábito de secuestrar a la gente e involucrarlas en unos “juegos” cuyo objetivo es salir con vida. El que no consigue terminar el juego de la forma correcta, muere…y si lo concluye(obviando los hematomas, algunas mutilaciones y algunas secuelas físicas y psicológicas) sale vivo aprendiendo a valorar de nuevo el hecho de poder vivir. Técnicamente “Puzzle” no puede ser acusado de asesinato, ya que no se ensucia las manos matándolas, su “modus operandi” es fabricar armas y artilugios para que las propias víctimas se maten (o no) solas. Lo paradójico de todo es que “Puzzle” se considera un salvador, un hombre cuyas ideas macabras acerca de la muerte sirven para redimir a la gente.

En Saw 3 hay dos nuevas “víctimas” y la novedad es que una depende de la otra para terminar con éxito su juego. La primera es Lynn, una doctora que está dedicada exclusivamente a su profesión, dejando de lado a su familia y considerada la mejor de su especialidad … lo que la lleva hasta “Puzzle”, que está al borde de la muerte. Raptada por él, Lynn es oblicada a mantener su agonizante existencia cueste lo que cueste: un collar lleno de bombas alrededor del cuello está conectado al monitor de ritmo cardiaco de su captor. Si él muere, Lynn también lo hace. Pero hay una esperanza. “Puzzle” sólo quiere vivir hasta que otro juego llegue a su fin. Dicho juego alternativo está protagonizado por Jeff(Angus MacFayden, a muchos os sonará de “Alias”), padre de familia que, abandonado por su esposa, sólo vive para matar al indivíduo que, borracho, atropelló y mató a su hijo. Jeff despierta dentro de una gran caja de madera y, cuando consigue salir de ella, se ve atrapado en una casa-laberinto. Tiene que seguir las pistas facilitadas por “Puzzle” para avanzar y llegar al final del desafío, donde finalmente se verá cara a cara con el sujeto que mató a su hijo. Aunque no debemos dejar de lado a uno de los elementos más presentes en toda la trilogía: el personaje de Amanda, pupila de “Puzzle” y presente durante las tres entregas.
Básicamente lo expuesto arriba podría considerarse la línea central del argumento. Hay otras cuestiones por explicar, pero tampoco se trata de destriparlo por completo. En cuanto a la dirección de Darren Lynn Bousman, he de decir que exagera muchísimo los manierismos técnicos. El montaje está como acelerado y algunos movimientos de cámara son demasiado vertiginosos, teniendo la sensación de que algunos momentos pasan con demasiada rapidez. Otro problema es lo que yo llamo “El complejo de Scooby.Doo”: con cada revelación sorpresa, el director repasa para el espectador todas las escenas que en su momento dieron pistas para dicha revelación, para mostrar que todo estaba allí pero nosotros no lo veíamos. Es como si Lynn Bousman tuviera miedo de que el espectador no entienda la historia y por eso se siente en la obligación de explicar las cosas con todo detalle.
Resumiendo: personalmente no considero que el tal “Puzzle” merezca ser elevado a la categoría de “dios del crimen”. En la primera parte, no pasaba de ser un loco peligroso con aspiraciones mesiánicas. En la segunda, el guión trataba de encasillarle el papel de “mente brillante”, de hombre incomprendido por la sociedad , del estilo de Hannibal Lecter o John Doe y en esta tercera queda como una mezcla de ambas, pero sin concretar claramente. Tampoco es que importe mucho, la verdad. “Saw 3” queda dignamente representado como un thriller tenso, con un par de escenas realmente delirantes (la escena de la operación y la de los cerdos licuados) y con un final también digno para el loco asesino “Puzzle”. Sólo espero que la productora, Lionsgate, no haga más entregas de la saga, ya que con este broche lo deja todo atado y bien atado que no da margen a ni una sola secuela más, pero claro, cuando una cinta produce tanto dinero, ya se sabe …

Mi Top 30(del 14 al 20)

noreply@blogger.com (Caty Cordero) — Sun, 26 Nov 2006 20:47:00 +0000

14.-Alien(1979).Obra maestra de Ridley Scott, transformando a la Teniente Ripley(Sigourney Weaver) en la heroína por autonomasia del cine contemporáneo y a la Nostromo en una nave en la que daba miedo permanecer, demostrando que lo que más terror provoca y lo que más desconcierta es lo que se sugiere, no lo que se muestra, eso sin nombrar la magnífica creación tanto de la criatura como del mundo por parte de Giger.Hace mucho frío en el espacio...

15.-Good Bye Lenin!(2003). Me encanta tanto la exposición de la caída del Muro de Berlín desde un punto de vida cotidiano como el paso del humor a la ternura, así como las magníficas interpretaciones de sus actores. Pasa desde la comedia al drama con una facilidad alucinante. Para ver una vez tras otra y recomendada para la gente que quiera echarle un vistazo a cómo vivieron los alemanes(sobre todos los de la RDA)todos los cambios que ocurrieron entre 1989 y 1990.

16.-Lo que el viento se llevó(1939). Megaproducción con otro de los grandes elencos de la historia del cine: Vivien Leigh como Escarlata O´Hara, Clark Gable como Rett Butler, Olivia de Havilland como Melania Hamilton, Leslie Howard como Asley Wilkes, sin olvidar el hito que supuso, ya fuera de las pantallas, la concesión del primer Oscar a un actor negro a la actriz Hattie McDaniel por su papel de "Mami". Épica. Con fuerza. Mítica.

17.-Terminator(1984).- Cuenta el propio James Cameron que el concepto de Terminator le sobrevino durante una noche de delirio en medio de una fiebre fortísima en Roma: el concepto de la destrucción de la humanidad por las armas que la misma había creado para defenderse, la toma de conciencia de una entidad artificial para controlar a los pocos humanos que quedan y el envío al pasado de un robot exterminador para aniquilar a la madre del hombre que reorganizará a la raza humana(John Connor) para sobrevivir en un planeta devastado. Tiene acción, historia y muchísimo tirón. Con una segunda parte memorable.(¡Hay que ver lo que me gusta a mi una película con futuro sombrío para la humanidad!)

18.-El show de Truman(1998). Jim Carrey en su faceta como actor "serio". Una crítica feroz y voraz a la televisión y al entretenimiento en concreto que ésta ofrece. La historia de un hombre cuya existencia se ha convertido en el programa más popular de todos los tiempos. Su ciudad es un plató, su mujer y todo su entorno, actores...hasta que un día, Truman se empieza a dar cuenta de ciertos detalles. A la vez que nos encontramos con una moraleja, tenemos una historia que entretiene. Final también de los de recordar.

19.-Enemigo Mio(1985).-En un futuro no muy lejano, los humanos, que por fin han conquistado el espacio, mantienen una sangrienta guerra con otra raza, los habitantes de Dracon. En uno de los combates, un piloto humano y uno drac caen en medio de un planeta inexplorado e inhóspito, donde se ven obligados a sobrevivir a pesar de los odios y los prejuicios que tienen cada uno por la raza del otro. Una lección que muchos hoy en día deberían aprender. A destacar la evolución de la amistad entre los dos personajes.

20.-Forrest Gump(1994).Radiografía perfecta de cómo es la vida: a veces un poquito triste, otras veces alegre, otras veces dolorosa, otras veces bella. Mediante la vida de un hombre con cierto retraso mental(o no, según se mire)pero con toneladas de decisión y nada de maldad(lo que seduce a todo el que ve la cinta), podemos observar desde la historia de la norteamérica de los últimos 40 años a una historia de amor realmente peculiar. Que decir de la música(he de reconocer que soy fan de Alan Silvestri) tanto instrumental como la gran banda sonora con canciones de todas las épocas.Genial puesta en escena. Gary Sinise, perfecto como el Teniente Dan. Robin Wright intensa como Jenny, y Tom Hanks ante lo que para mi es la mejor actuación de toda su carrera.

Trailer en inglés de "El Show de Truman"

Trailer de "Alien"

Trailer de "Good bye Lenin!" en VO subtitulada en Inglés

Una de las grandes escenas del cine(no he encontrado un trailer que ofreciera la perspectiva de la película).

Trailer de Forrest Gump en Inglés

Brokeback Mountain, de Ang Lee

noreply@blogger.com (Caty Cordero) — Sun, 05 Nov 2006 19:16:00 +0000

Hablar de una de las películas que más han dejado huella en los últimos tiempos es una tarea algo difícil, pero si algo tengo claro es que por muchas razones, es uno de esos filmes que se recordarán durante años, no sólo por su calidad cinematográfica(que la tiene y mucha), sino por toda la polémica que la ha acompañado tanto en su proyección en las salas de cine como ya en su lanzamiento en DVD. Realmente, desde el punto de vista más social, toca un tema tabu para muchos, y no me refiero a la relación homosexual de los dos protagonistas, sino específicamente a lo que significa la homosexualidad en el medio rural, por denominarlo de alguna manera. Con el tiempo quizás, nos daremos cuenta de la aportación de esta película a la hora de "normalizar" dicha cuestión. Curiosamente, me afectó de una manera que no me esperaba en absoluto...no sólo por el desenlace final en sí, más bien por una mezcla de lo anterior con la belleza de la narración...y aunque me encantó, es una de esas películas que me va a costar ver por segunda vez ya que sé que lo volveré a pasar mal.

Muchas de las grandes historias de amor de todos los tiempos tanto en la literatura como en el cine giran, principalmente, en torno de parejas que, poseídos por un amor y una pasión arrebatadora, están obligados a mantenerse separados en función de aspectos sociales, políticos o convencionalismos sociales: Brokeback Mountain, el nuevo trabajo del cineasta taiwanes Ang Lee cuenta una de estas historias, que gira en torno de dos personas que, ante la imposibilidad de asumir delante de todo el mundo lo que sienten una por la otra, procesan de manera diferente sus sentimientos. El apunte de que los amantes en cuestión son hombres es un mero detalle.

Es obvio que un romance entre dos Cowboys, figuras icónicas del imaginario del cine norteamericano, sería algo difícil de describir, sin embargo, el bello guión de Larry McMurtry y Diana Ossana (inspirado en el relato corto de Annie Proulx) transforma este obstáculo en una historia en el que la relación de los dos personajes se cuenta de una manera natural y sensible: contratados para guardar un rebaño de ovejas en lo alto de la montaña Brokeback, Ennis del Mar (Heath Ledger) y Jack Twist (Jake Gyllenhaal) son llevados a aislarse del mundo por algunos meses, teniendo solo la compañía el uno del otro. Inicialmente reservados (especialmente Ennis), establecen unos lazos de forma gradual, primero convirtiéndose en amigos, confidentes después y, para sorpresa de ambos, en amantes. Establecida ya esta conexión, los vaqueros inician un romance imposible que, atravesando décadas, se irá volviendo cada vez mas trágico en función de los conflictos entre dos temperamentos tan distintos.

La película retrata la relación de Jack y Ennis como algo más que un simple deseo sexual: presos en realidades que le son hostiles, los dos hombres encaran sus encuentros esporádicos como oportunidades para relajarse y sentirse felices, completos. Casados y convertidos en padres de familia, ellos intercambian confidencias sobre sus problemas conyugales y sobre otros encuentros heterosexuales. Huyendo de estereotipos que puedan degradar a los personajes, Ledger y Gyllenhaal ofrecen actuaciones fundamentales para el éxito de la narrativa; como Ennis, Ledger mantiene una postura siempre tensa y de expresión constantemente cerrada, como si estuviese eternamente defendiéndose de un ataque que puede venir en cualquier instante. Introspectivo y reprimido, apenas tiene dificultades para expresar sus sentimientos, embrutecido por una existencia miserable y por el abandono, Ennis encuentra la protección en el silencio- incluso cuando habla, la boca apenas se le abre, como si aquello representara un esfuerzo pavoroso-. Así, la intensidad de lo que siente por Jack representa, para él, una bendición y una maldición: por un lado, con el vaquero se siente libre para expresarse (aunque no mucho), por otro, la carga de culpa y miedo provocada por un entorno lleno de prejuicios lo transforma en una figura atormentada por lo que está sintiendo. Jack Gyllenhaal, por su parte, encarna a Jack Twist como una persona francamente mas emotiva y dispuesta a aceptar (y a expresar) los propios sentimientos. Cuando se da cuenta que lo que siente por Ennis es sincero y es amor, el no duda en sugerirle que dejen a sus esposas y vivan juntos, aunque corran el riesgo de convertirse en víctimas de la violencia inspirada por la intolerancia.

Además de esto, una de las cuestiones que más me fascinan de Brokeback Mountanin es el respeto a la naturaleza de la relación de Ennis y Jack: mientras este último es obviamente gay, demostrando interés sexual por otros hombres, el primero jamás denota una atracción similar. La impresión de que Ennis se enamora de Jack por el mero hecho de ser un hombre es por lo tanto, una mera casualidad. Cuando está lejos de Twist, el personaje de Ledger jamás parece reparar en otros hombres, mostrándose claramente mas atraído por el sexo opuesto. En contrapartida, la única relación heterosexual de la que tenemos constancia por parte de Jack es la de su mujer, que desde el momento en el que surge en la pantalla, presenta una personalidad firme y que confiere a Jack la condición de la mitad pasiva del matrimonio -incluso sexualmente, ya que la iniciativa de abordarlo es de ella-.
Es por esta razón que Ennis no toleraría saber sobre otras relaciones homosexuales de Jack; para Ennis, esa situación representa algo único que solo les afecta a ellos, y descubrir que Twist mantiene relaciones con otros hombres sería un golpe demasiado duro para él. Infelizmente para ambos, Ennis no es capaz de asumir lo que siente de manera completa, y no es solo respecto a la relación con Jack, sino que también se vuelve inaccesible para la esposa y las hijas.
Pero no solo el elenco masculino es el que brilla en este filme: la torturada esposa de Ennis del Mar, Alma (interpretada por Michelle Williams) construye un personaje cuya falta de cultura y de sofisticación intelectual, aliada con el machismo de la sociedad en la que vive, imposibilita la adopción de una postura más decidida en relación al romance de su marido con otro hombre. Y si Anne Hathaway tiene la oportunidad de demostrar su alcance dramático durante una difícil conversación que mantiene con Ennis por teléfono cuando su personaje se ve obligado a reconocer duras verdades que siempre procuró ignorar, la veterana Roberta Maxwell, como la madre de Jack, ofrece una escena buenísima en la cual demuestra su compresión y su dolor simplemente a través de las miradas, en una actuación que merecía (casi más que la de Williams) una nominación para los Oscar.

Envuelta por la bella banda sonora instrumental de Gustavo Santaolalla, que se muestra tan intimista como la interpretación de Heath Ledger, Brokeback Mountain cuenta también con un trabajo sutil pero eficaz en cuanto a la dirección artística: observen como por ejemplo, la casa de Ennis y Alma presenta colores siempre tristes y opresivos, reflejando la existencia gris del matrimonio, y como también la residencia de Jack y Lureen está decorada claramente con los gustos de ella, ayudando a que el personaje de Gyllenhaal se muestre como un extraño en su propio hogar. Elementos como estos ayudan a demostrar la sensibilidad como cineasta de Ang Lee, que también acierta al establecer un ritmo pausado, contemplativo, permitiendo que conozcamos a los personajes con la calma necesaria. También hay que decir en su contra que Lee debería haber exigido un mejor maquillaje para Heath Ledger, ya que su envejecimiento, a pesar de la óptima actuación del actor, no convence mucho que digamos. Otra cosa es el extraño subtítulo que se ha sacado de la manga la distribuidora: eso de "en terreno vedado" no hacía falta para nada.

Dejando a un lado la homosexualidad, la historia de amor narrada en Brokeback Mountain llega por ser universal. Es perfectamente posible, para cualquier espectador, identificarse con el dolor de los protagonistas, independientemente de las opciones sexuales de cada uno(hay un par de momentos en este sentido que personalmente, me produjeron una pena inmensa).Es por eso, que,en la lista de grandes romances trágicos de la historia del cine, junto a Escarlata O´Hara y Rhett Butler, Jack Dawson y Rose De Witt, Oliver Barrett y Jennifer Cavilleri, haya que dejar un sitio también para Jack Twist y Ennis del Mar.

Trailer Brokeback Mountain con Subtítulos en Español